Filmriß

Günther Brandl est un véritable passionné comme en atteste les 60 films auxquels il a contribué, que ce soit derrière ou devant la caméra, Cette passion, il a su la transmettre à son frère Helmut et sa sœur Monika qui gèrent avec lui sa boîte de production, Brandl Pictures. Parfois, ils oeuvrent même devant la caméra, comme c’est le cas pour Unholy Ground…

Au 18ème siècle, des soldats font irruption dans un paisible village suédois afin de se reposer et de soigner leurs blessures. Bien qu’accueillants, les villageois paraissent étranges aux yeux des nouveaux venus, en particulier à cause de leur forte piétée, d’autant plus que c’est un tout autre Dieu qui semble bénéficier de leur vénération…

Avec Unholy Ground, Günther Brandl livre un film d’horreur que l’on peut aisément classer parmi les œuvres amateurs qui ont fait la gloire de ses compatriotes Andreas Schnaas et Olaf Ittenbach.

Unholy Ground dispose cependant d’un élément important qui le différencie des autres œuvres amateurs, c’est la présence de scènes de copulation, en particulier dans la version xtended qui, au contraire de la director’s cut, propose même quelques séquences pornographiques. Des scènes classées X dans lesquelles Günther Brandl n’hésite à donner de sa personne.

Malgré tout, le scénario de Unholy Ground n’a rien à voir avec un banal film pour adulte, en particulier parce que le sujet intéressant réserve de surcroit plusieurs surprises et rebondissements, attestant du soin apporté au scénario.

En revanche, le manque de rythme est plutôt problématique. La durée du film est probablement trop longue et même si l’histoire est attrayante, la narration est plombée par une interprétation assurée de manière dilettante. On peut aussi regretter des effets spéciaux bricolés peu spectaculaires qui souffrent de la comparaison avec les films des ténors du film gore Outre-Rhin cités précédemment. Ces carences ne déshonorent pas le film, d’autant plus qu’on imagine le budget disponible résolument étriqué, mais Unholy Ground ne parvient pas à suffisamment divertir le spectateur entre les scènes chocs.

Unholy Ground dispose en effet de quelques scènes percutantes. Citons par exemple l’orgie qui se déroule en milieu de métrage et à laquelle prennent part les villageois copulant sous la lune, à la belle étoile, les corps éclairés par des torches enflammées. Une autre scène se déroule quant à elle au cœur de l’Enfer… Châtiments corporels, tortures, supplices pervers plus ou moins subtiles s’étalent sous nos yeux rappelant les scènes les plus extrêmes des films du brésilien fou José Mojica Marins qui oeuvrait, pour sa part, dans les années 60 et 70.

En ce qui le concerne, Unholy Ground séduit néanmoins grâce à son scénario ambitieux joliment mis en valeur par des costumes d’époque et des décors permettant de reconstituer un village de paysans. Les scènes érotiques et pornographiques, inattendues dans un film amateur, sont un peu la cerise sur le gâteau, et permettent de rendre, en passant, un petit hommage au cinéma d’exploitation européen des années 70.

Unholy Ground Allemagne – 2016 Réalisation : Günther Brandl Interprètes : Jürgen Lill, Nadja Holz, Monika Brandl, Thomas Pill, Stefan Mühlbauer, Mila Moore

Bande annonce en allemand :

Das Letzte Abteil n’est pas un produit fabriqué sur mesure pour le grand public. Protéiformes car changeant constamment de genres cinématographiques tout au long de ses 90 minutes, le film d’ Andreas Schaap s’attache de surcroît à un sujet difficile lui tenant particulièrement à cœur puisque comme beaucoup, il fut confronter au dilemme…

Les espoirs de voir la mère de Greta se réveillé de son coma sont de plus en plus faibles, et Greta se demande si cela a encore un sens de la maintenir artificiellement en vie. Malgré tout, Greta rend régulièrement visite à sa mère alitée dans l’hôpital de Graz en Autriche. En chemin, Greta est victime d’un grave accident lorsque son train est victime d’une avalanche. Dans le froid, en pleine montagne, Greta et ses cinq compagnons d’infortune attendent les secours, mais c’est alors que les choses deviennent de plus en plus confuses. Une tête décapitée est découverte dans le wagon, puis, on comprend que les secours ne viendront finalement pas. Quels espoirs restent-ils aux naufragés ?

Très vite, le spectateur se doute qu’il va avoir droit à un retournement de situation. C’est donc avec un peu de crainte qu’on attend l’intrigue dévoiler ses véritables desseins ; heureusement, le film ne nous réserve pas un final dans la lignée du Sixième Sens de M. Night Shyamalan.

Das Letzte Abteil tourne en effet radicalement le dos à ce concept quelque peu convenu aujourd’hui et, très vite, il on comprend quels sont les véritables enjeux.

La question du maintien artificiel de la vie s’avère finalement le grand sujet du film et Andreas Schaap ne le lâche pas tant qu’il ne trouve pas une réponse satisfaisante à livrer.

Sur la forme, Das Letzte Abteil s’avère particulièrement attrayant. Tour autant thriller fantastique que film catastrophe, ce drame qui louche également du côté du film d’auteur n’est jamais prétentieux ou ennuyeux. L’histoire qui se déroule dans deux endroits clos, la chambre d’hôpital et le wagon accidenté, est constamment intrigante et titille constamment la curiosité. L’atmosphère élaborée par l’absence de couleurs et de forts contrastes plongeant dans la pénombre de nombreux éléments du décor, permet de créer une impression continuellement inquiétante proche du film d’horreur. L’interprétation est de qualité et Anna Fischer livre une prestation remarquable dans son double rôle ; l’actrice porte clairement le film sur ses épaules. Quant aux rebondissements et flash-back, nombreux, ils sont peut-être des gimmicks un peu faciles car modernes mais ils aident à faire passer un sujet difficile rarement exploité au cinéma.

À ce titre, Das letzte Abteil et sa métaphore sur l’accompagnement de nos proches en fin de vie s’avère bien moins grossier que Quelques minutes après minuit sorti la même année. Là où film de J.A. Bayona donne carte blanche pour laisser partir ses proches sans regret, Das letzte Abteil propose, en effet, une approche beaucoup plus sensible.

Das letzte Abteil Allemagne – 2016 Réalisation : Andreas Schaap Interprètes : Anna Fischer, Nic Romm, Tim Sander, Ernst-Georg Schwill, Barbara Prakopenka…

Bande annonce en allemand :

Film d’horreur psychologique, Der Nachtmahr veut secouer le spectateur et n’hésite pas, pour y parvenir, à utiliser des effets techniques et artistiques, à l’instar d’Irréversible de Gaspard Noé.

Depuis qu’elle a pris de l’ecstasy lors d’une fête, Tina (Carolyn Genzkow) est harcelée chaque nuit par des rêves cauchemardesques. De plus, une créature, étrange mais bienveillante, invisible aux yeux de ses amis et de ses parents, se manifeste fréquemment auprès d’elle. La petite créature est apparue une nuit dans la cuisine familiale et a réveillé Tina avec d’étranges bruits de déglutitions. Dès lors, toutes les tentatives mise en œuvre par la jeune fille pour montrer la créature à d’autres personnes ont échouées. Au final, Tina se retrouve dans un hôpital psychiatrique. Pour les parents, il est évident que leur fille est malade, voire suicidaire. Même les amis de Tina commencent à prendre de la distance avec cette fille qui, à l’évidence, a perdu les pédales.

C’est alors que les parents découvrent le Nachtmahr dans la chambre de Tina. Effrayés, paniqués, ils s’attaquent à l’intrus, appellent les autorités qui manipulent la créature comme un animal de laboratoire. Mais Tina s’est habituée et s’est attachée à son nouvel ami…

Der Nachtmahr est un film qui pose beaucoup de questions et qui ne donne que très peu de réponses. On le comprend dès le début du métrage lorsque Tina répond à la question d’un enseignant en classe. Celui-ci (incarné par Kim Gordon, guitariste du groupe Sonic Youth) demande à ses élèves quels sont les enseignements à tirer du livre The Book of Urizen de William Blake. Tina répond par un timide « une émotion ». Le professeur lui demande d’approfondir : Est-ce une bonne ou une mauvaise émotion ? Tina qui ne veut pas trancher rétorque : Les deux. Cette intervention de Tina, apparemment anecdotique, donne en réalité le ton d’un film où rien n’est blanc ou noir, mais gris, de la même couleur d’ailleurs que la créature qui se manifeste auprès de Tina. Le métrage se refuse même à nous dire si son irruption dans la vie de l’adolescente aura des conséquences positives ou négatives pour elle.

Un texte au début du film nous encourage à regarder le film avec un son élevé. Cette expérimentation sur le son vise à exercer un impact physique sur le spectateur. Cet effet n’est pas un gadget et l’on peut y déceler la volonté du cinéaste de voir son film se matérialiser dans la vraie vie, comme le fait la créature qui s’impose auprès de Tina. C’est d’autant plus vrai que l’on peut considérer que ce sont effectivement les fêtes bruyantes et excessives auxquelles participent Tina qui font apparaître der Nachtmahr. La créature ne serait alors qu’une incarnation des peurs de la jeune fille, dont l’apparition serait encouragée par l’agression qu’elle subit (lumière vive, musique, drogue, incompréhension de ses parents qui la traînent d’un médecin à un autre sans l’écouter…).

À ce titre, il convient de signaler que la créature, une « simple » marionnette, est absolument superbe. Inspirée par celle figurant sur le tableau Der Nachtalb peint en 1902 par Johann Heinrich Füssli, elle a aussi été source d’inspiration pour Ken Russel et son Gothic réalisé en 1986. Petite, imberbe, recouverte d’une peau grisâtre, dotée d’yeux et d’oreilles immenses, elle n’est pas vraiment effrayante, mais n’inspire pas non plus la confiance à première vue ; la réaction de Tina effrayée lors de leur première confrontation est parfaitement compréhensible. En s’habituant à son apparence, la confiance s’installe et, tout comme Tina, nous commençons à ressentir de la sympathie envers cette petite chose ; le réalisateur qui l’a conçue lui-même a réalisé une véritable prouesse.

La créature ne doit pas cependant mettre dans l’ombre l’excellente interprétation de Carolyn Genzkow qui incarne Tina. Sa prestation permet de pleinement faire ressentir l’expérience à laquelle elle est confrontée. Comme dans beaucoup de film d’horreur, l’horreur s’insinue dans le présent et la société, et c’est parfaitement retranscrit ici.

Akiz, pseudonyme du réalisateur Achim Bornhak, également connu comme DJ dans la scène techno, est parvenu avec un budget de 100 000 euros à réaliser un film entre l’horreur physique d’un David Cronenberg et les expérimentations scénaristiques d’un David Lynch. Mais surtout, il parvient d’une manière réaliste et sans donner de leçons à mettre en image le désarroi de la jeunesse. Par ailleurs, Der Nachtmahr recours de manière intéressante à la tradition du romantisme noir allemand, aux contes de Grimm, aux écrits de E.T.A. Hoffmann et aux peintures de Böcklin. Ambivalent, à la fois douloureux et excitant, Der Nachtmahr semble bien disposer des marques qui caractérisent les grands films.

Explication de texte diabolique ! Ne lisez pas ce qui suit si vous n’avez pas encore vu le film :

Tina vit difficilement son adolescence. La nuit elle expérimente en participant à des raves et en prenant des drogues dures. Le jour, elle est entourée de ses parents avec qui elle se sent comme un extra-terrestre. Dès lors, elle se crée un doppelganger introverti, symbole de son inadaptation. Ce n’est que lorsque la créature se blesse avec un rasoir et que Tina se met également à saigner qu’il devient évident que les deux êtres sont liés. L’attaque de la créature par les parents de Tina, éveille donc logiquement en elle son instinct de conservation. Tina comprend l’importance de sauver cette créature dont elle se détournait pourtant au début du film. À la fin, Tina prend la créature avec elle et s’enfuit en pleine nuit, sans savoir où aller, du moment qu’elle échappe à ses parents et ses faux amis.

Cette explication de texte reste cependant incomplète… En effet, que signifie cette vidéo montrant un accident de la route qui débute et termine le film sur un cercle sans fin ?

Sources : critic.de

Der Nachtmahr 2015 Réalisation : Akiz Interprètes : Carolyn Genzkow, Wilson Gonzalez Ochsenknecht, Sina Tkotsch, Alexander Scheer, Kim Gordon…

En jouant sur notre fascination pour la mort et la séduction qu’elle exerce sur nous, le film s’inscrit ainsi dans la tradition d’un romantisme noir s’inspirant des peintures d’Antoine Wiertz et de Johann Heinrich Füssli, ou de la prose d’Edgar Allan Poe et de Robert E. Howard.

L’histoire est racontée à travers les yeux innocents et tristes de Laurin, dont la fragilité fait immédiatement naître chez le spectateur un sentiment de protection pour ce petit chaperon rouge. Nous faisons sa connaissance alors qu’elle vit avec sa grand-mère, sans ses parents, à l’orée du 20ème siècle dans un petit village portuaire. Arne, son père, marin, passe la plupart de son temps en mer. Quant à sa mère, elle est décédée à la suite d’un accident étrange. Le contexte familial, le vieux château en ruine, la disparition inexpliquée de plusieurs enfants du village, alimentent l’imagination de la jeune fille qui découvre le monde avec sa curiosité d’enfant. Et dans des visions inquiétantes, Laurin voit aussi une créature sombre s’attaquer aux villageois…

Le film a été tourné en Hongrie, dans des paysages à la fois crus et magnifiques. La brume, les cimetières sombres et inquiétants, tout comme les vieilles demeures, font craindre les dangers à venir. La bande-son, quant à elle, puise dans les bruits naturels (grondement de la mer, souffle du vent, craquement du bois, chant des oiseaux…) et éveille des sentiments peu rassurants, inquiétants… Ainsi, le film nous convie à un fantastique ancré dans des paysages mythiques, plein de mystères et de dangers dissimulés, comme dans des films de Walerian Borowczyk ou de Jean Rollin.

Cependant, et malgré les visions cauchemardesques de la petite Laurin, l’œuvre de Robert Sigl évolue rapidement ver le thriller en se focalisant sur la psychologie de ses personnages. Ainsi, en approfondissant les motivations de l’assassin et de Laurin, le film évoque inévitablement les gialli. L’impression est corroborée par les couleurs empruntant dans certaines séquences à l’esthétisme de Mario Bava.

Bien que son travail sur Laurin fût récompensé par le Bayerischer Filmpreis, Robert Sigl ne put continuer sa carrière au cinéma ; Laurin était trop étrange, trop déroutant pour que des producteurs prennent le risque de confier un projet à ce jeune réalisateur de 26 ans : Laurin tomba alors dans l’oubli et son auteur dû se tourner vers la télévision… En 1994, Robert Sigl réalise un téléfilm familial en trois parties pour les fêtes de Noël : Stella Stellaris. Cette comédie de science-fiction où une extra-terrestre sème le trouble dans une famille est remarquée outre-Atlantique. Au Canada, Robert Sigl signe alors quelques épisodes de la série Lexx – The Dark Zone ce qui lui permet de diriger Malcolm McDowell. De retour en Allemagne, il signe des slashers dans la lignée du succès de Scream : Schrei – denn ich werde dich töten! et sa suite Das Mädcheninternat – Deine Schreie wird niemand hören (2000).

source : critic.de

Laurin
Allemagne, Hongrie – 1989
Réalisation : Robert Sigl
Interprètes : Dóra Szinetár, Brigitte Karner, Károly Eperjes, Hédi Temessy, Barnabás Tóth

Bande annonce en allemand :

Mike et Verner sont deux machos tout ce qu’il y a de plus primitifs. Collègues et amis, ils sont cependant rivaux dans le seul domaine qui les intéresse : les filles jeunes et jolies. Dès lors, ils consacrent leur temps libre à attirer l’attention des Munichoises en mini-jupe afin de les emballer et de les consommer, comme de vulgaires objets. Les conséquences ne les intéressent guère. À peine ont-ils conclu une affaire qu’ils se mettent en quête d’une nouvelle : les opportunités sont nombreuses.

Ainsi, après avoir abandonné sur le bord de la route deux jeunes filles qui les barbaient, Mike et Verner rencontrent des étudiants sur un circuit de karting. La cohabitation entre les deux collègues de travail et les intellectuels ne se fait pas sans heurts et Alice intervient pour calmer tout le monde. Dès lors, Mike et Verner jettent leur dévolu sur la jolie et naïve Alice. Sympathique et décontractée, elle correspond parfaitement au genre de filles que les deux machos affectionnent.

Mädchen mit Gewalt conclut une trilogie débutée par Mädchen, Mädchen en 1966 et Häschen in der Grube en 1968, tous réalisés par Roger Fritz et mettant en scène Helga Anders, son épouse à l’époque.

Par ruse, ils parviennent à séparer Alice de ses amis et l’emmènent, en pleine nuit, dans une sablière afin de prendre un bain de minuit. S’attendant à ce que ses amis apparaissent d’un moment à l’autre, Alice n’entrevoit pas le danger. Elle se déshabille et se met à l’eau. Lorsqu’elle comprend que ses amis ne la retrouveront pas, il est trop tard. Et comme le titre du film l’indique, Mike et Verner n’hésiteront pas, s’il le faut, à prendre cette « fille par la violence ».

Parmi les scènes les plus marquantes du métrage, citons celle où, après le viol, Mike dresse à la jeune fille le portrait d’une société d’hommes, protégeant solidairement leurs intérêts. Cynique, il prévient Alice des conséquences si elle décide de porter plainte : Les gendarmes, masculins, voudront connaître tous les détails. Peut-être oseront-ils mettre en doute ses accusations, voire l’accuseront d‘avoir provoqué les événements avec sa jupe fine et courte. Ainsi que sa baignade en tenue d’Eve. Puis, ce sera le tribunal où l’exposition des faits l’obligera à revivre le cauchemar une seconde fois face à des inconnus, ses parents…

Mais le réalisateur ne joue pas la carte du féminisme anti-masculin de base et pousse la réflexion un peu plus loin.

Oublié en Allemagne, Roger Fritz peut pourtant s’enorgueillir d’une carrière peu commune. Il a par exemple été acteur pour Sam Peckinpah (Croix de fer – 1977) et Rainer Werner Fassbinder (Lili Marleen – 1981).

En effet, la position d’Alice est floue. Aguicheuse, elle joue tellement bien la femme-enfant qui fait tomber les hommes qu’on peut se demander si elle ne s’amuse pas à regarder ces deux coqs s’affronter pour ses beaux yeux. Bien sûr, elle s’y brûlera les ailes car ce rôle la prédestinait à être une victime.

Le comportement de Mike et Verner appelle la même réflexion. Très vite, la rivalité bête et méchante, déterminée par une société où prédomine la compétition, apparaît comme seul moteur de leur motivation. Le final du film montre les deux garçons aussi dépités que la jeune fille, découvrant un peu tard les conséquences d’une manipulation dont ils ont également été les objets.

En plus d’être brillamment mis en scène, visuellement superbe et interprété de manière poignante par Helga Anders, Klaus Löwitsch et Arthur Brauss, Mädchen mit Gewalt expose un portrait triste, mais probablement juste, des relations hommes-femmes, basées sur la force, la soumission et la manipulation.

Mädchen mit Gewalt
Allemagne – 1970
Réalisation : Roger Fritz
Interprètes : : Helga Anders, Klaus Löwitsch, Arthur Brauss…

Bande annonce en allemand :

Film exigeant, l’oeuvre de Désirée Nosbusch et de Eckhart Schmidt s’inscrit effectivement et pleinement dans une tradition cinématographique européenne empruntant au cinéma d’horreur et au film d’auteur, à l’image d’un Prison de cristal d’Agustí Villaronga (1986).

1982, Ulm entre Stuttgart et Munich. Simone (Désirée Nosbusch) est une adolescente comme toutes les autres. Et, comme toutes les autres, Simone en pince pour une pop star. L’élu de son cœur se fait appeler R (Bodo Steiger), c’est le chanteur le plus en vue du moment.

Après avoir réalisé quelques films érotiques dans les années 60 (Mädchen, Mädchen en 1967, Erotik auf der Schulbank en 1968), Eckhart Schmidt créé un magazine punk, Die Sau (La Truie), dans lequelle écrivent des musiciens marginaux tels que David Byrne, Devo, ou Patti Smith.

Simone ne se passionne pas seulement pour la musique de R, elle est véritablement amoureuse de lui. Elle imagine même être la femme la plus apte à le rendre heureux. Elle lui écrit des lettres mais R ne répond pas.

Un jour, Simone apprend que R est à Munich pour une émission télévisée. Elle laisse tout tomber pour le rencontrer. Et c’est ce qui se produit car R remarque Simone. Il semble même s’intéresser à elle et l’invite dans les coulisses du studio.

À la fin de la soirée, R emmène Simone dans l’appartement d’un ami. Ils ne tardent pas à faire l’amour. Mais peu de temps après, R s’apprête déjà à partir. À ses yeux, Simone n’est qu’une groupie parmi tant d’autres.

1982, c’est l’année où Helmut Kohl arrive au pouvoir. À l’époque, le monde est divisé en deux avec d’un côté les bons à l’ouest et les méchants à l’est. La peur d’une guerre nucléaire est encore palpable et les questions environnementales commencent à émerger.

Dans ce contexte, un nouveau mouvement musical fait son apparition en Allemagne : La Neue Deutsche Welle (Nouvelle Vague Allemande), issue du post-punk et de la new wave, et de laquelle émerge des groupes commerciaux comme celui de Nena qui chante 99 Luftballons.

Mineure lors du tournage, Désirée Nosbusch intentera un procès à la production afin que sa nudité ne soit pas exposée sur les photos d’exploitation du film.

Désirée Nosbusch fait partie de ce changement à la télévision où elle anime une émission. Son insolence ravit la jeunesse de l’époque et agace les adultes. Der Fan est l’occasion pour elle d’asseoir son statut d’enfant terrible. Et en effet, le film défraie la chronique parce que Désirée Nosbusch, mineure à l’époque, dévoile sa nudité une bonne partie du film. Elle participe même à des scènes érotiques.

La carrière de Désirée Nosbusch ne souffrira pas de sa participation à Der Fan. À peine deux années plus tard, elle présentera le Concours Eurovision de la chanson.

En revanche, Der Fan fut torpillé économiquement. Interdit aux moins de 18 ans par la FSK, entité allemande chargée de classifier les films, Der Fan ne pouvait plus toucher le public adolescent qu’il visait. Le marché vidéo ne permit pas non plus au métrage de limiter la casse, puisqu’il fut rapidement interdit d’exploitation. Comme aucune chaîne de télévision ne prit le risque de le diffuser, le film d’Eckhart Schmidt resta longtemps invisible.

Cette mise au pilori s’avère bien regrettable pour un film particulièrement juste dans sa description de l’adolescence à une époque où les fans et leur exubérance représentaient un phénomène de société nouveau,

Dès le début du film, Eckhart Schmidt nous met dans la tête de Simone. Sur une voix-off monotone, elle déclame sa tristesse et décrit sa vie dénuée de sens. Simone traverse l’intégralité du film sans montrer aucune émotion. Elle n‘en suscite d’ailleurs aucune non plus. Simone ressemble à une coquille vide. Cette apathie que Désirée Nosbusch exprime magistralement est absolument terrifiante et évoque l’incompréhension que l’on peut ressentir face à l’impassibilité d‘un adolescent.

Même une fois son rêve réalisé, Simone n’éprouve aucune satisfaction. Elle demeure vide. Finalement, sa fascination pour cette popstar ne cache-t-elle pas une autre frustration ?

Der Fan
Allemagne – 1982
Réalisation : Eckhart Schmidt
Interprètes : Désirée Nosbusch, Bodo Steiger, Simone Brahmann |

Bande annonce (à ne pas regarder avant d’avoir vu le film) :